角落漫談／電玩當然可以是藝術！當遊戲不再只是遊戲

開門見山，我認為：「電玩當然可以是藝術」。

這並不是什麼電玩愛好者想當然爾的斷言。對大多數玩家而言，電玩藝不藝術，往往是優先順序倒數的問題；好不好玩才是最重要的。只是從比較客觀、宏觀的角度來看，與其問電玩是不是藝術，倒不如回過頭來反問：有什麼媒介無法成為藝術的媒材？

現代藝術的呈現形式，理想上是不受框架侷限的。創作者更常要求自己能超出既有的典範或標準，視之為藝術表現的合理進程。也因此，只要創作內容具備某種美感，或彰顯創新概念，對於人類的藝術史能帶來補充、新的刺激或突破性的進展，就可以被視為藝術來討論。

屏除刻板印象形成的鄙視眼光，電子遊戲其實也屬於一種表意媒介的類型。作為比較新的資訊載體，電玩就像傳統範圍的音樂、繪畫、雕塑、文學、各類舞台表演，或晚近的廣播、電影電視、漫畫動畫一樣，各個領域的創作，有些會是藝術，而有些則不是。至於如何判斷、分類，則需要一些更細緻的標準來討論，這有賴社群間不斷交換意見、調整認同，最終取得夠有普遍影響力的共識。

作為一種藝術形式的電玩

經此延伸出來，還有一個值得討論的話題是：在電玩歷史上，那些以後世眼光看起來過於簡陋的部分遊戲原型（例如《太空戰爭》、《乒》、《巨洞冒險》等等），能不能被視為藝術？具體的想像，若今天開設了一座電玩藝術館，簡陋的老遊戲是不是能作為館藏被擺在裡面？

如果單從美感表現來看，部分古老電玩似乎很難符合藝術的標準，特別像《巨洞冒險》作為冒險遊戲的始祖，甚至完全都是由文字所構成，沒有任何的圖像表現，就算上班偷玩，老闆匆匆一瞥看過去，也只會以為你在測試新的程式碼咧。

然而藝術評價有時候其實並不僅仰賴美感，還有其他的要素影響社群的判斷，包括創新性和歷史意義。而就歷史角度而言，那些電玩始祖作為電玩藝術的一環，應該是沒有問題的。

那就好比一萬五千年前的「拉斯科洞窟壁畫」，會被視為人類繪畫藝術的遠祖之一，以及將近一千年前的「鳥獸人物戲畫」，具備了漫畫的雛型一樣，多會位列繪畫藝術脈絡的範疇。談起電影藝術的濫觴，我們也絕對不會漏掉盧米埃兄弟 1896 年的《火車進站》——儘管它只有短短的 50 秒鐘！

進一步設想，當我們說「電玩是藝術」時，我們在說的是電玩哪些方面屬於藝術？是遊戲主機本身嗎？還是經由電腦運算打在螢幕上的無數光點？故事？音樂？美術？玩法？作者思想？或甚至是構成遊戲幕後的那一行行程式碼？

最主流並且符合一般人直覺的看法，當然是「一部電玩作品在開始執行後所呈現的一切」、被遊玩的主體；就像我們會說電影的藝術性質來自作品本身，而不是膠捲、錄放影機或 4DX 座椅。電玩和電影一樣以複合媒材做表現，討論其藝術價值時，自然也就需要綜合性地去觀照作品的方方面面。

有一些關於電玩外延的要素具備藝術性，則是在此範圍之外。例如說，PS2 主機的外型設計，構成某些工業設計的藝術標準；又或者，約翰．卡馬克編寫《毀滅戰士》的程式碼簡潔優美，在電腦工程師眼裡達到藝術的境界。前者屬於工藝機械範疇，後者則是電腦資訊工程領域，畢竟和電玩作品本身是大相逕庭的。

另一方面，由於電玩比起其他媒介，具有更多的互動性，玩家在「打電動」的時候，某種程度上也因為各自不同的操作技巧和偏好，和遊戲作品本身交互參與了創作。我們可不可以說，某些優秀玩家的特定玩法或遊玩過程，也屬於電玩藝術的一環？

例如說，電競選手爐火純青的操作，將遊戲玩出了賞心悅目的觀賞性。被譽為「格鬥遊戲之神」的知名日本玩家梅原大吾，就曾在 2004 年的一場以《快打旋風 III》為主的大型賽事中，藉由出神入化的操作技巧，完成了幾乎難以複製的逆轉勝演出。這場史稱「Evo Moment 37」的經典賽況，不僅老玩家廣為流傳，甚至在維基百科上還有他專屬的條目！

特定玩家特殊的遊玩表現算不算藝術？筆者在此也難以界定。不過有另一個很好拿來直接類比的領域，那就是運動比賽。例如 NBA 或 MLB 會精選十大好球，或是像馬拉度納在世界杯足球賽的「世紀最佳進球」等等，電玩的特殊遊玩表現也與此相仿。算不算藝術，我想就比照體育界標準來看就好。

為什麼「電玩是藝術嗎」是個重要的問題？

托電腦科技進步、網際網路發達、智慧型手機普及等因素之福，電玩在當代已成為廣泛群眾的休閒載體之一。即便如此，部分社會群體仍基於刻板印象，對電玩貼上各種負面標籤：小孩子玩的、影響學業、有害青少年身心發展、提高犯罪率……。

除了玩家如果遊戲成癮，的確會造成一些不好的影響外，絕大多數對電玩的攻訐，都是基於不了解、鄙視、或為了掩蓋其他更重大問題而成的謾罵：想想看戴夫．葛洛斯曼的《暴力電玩如何影響殺戮行為》（2016），是如何不遺餘力地以各類偽科學論證和斷言，試圖系統化地對電玩進行抹黑——同時卻還為美國全國步槍協會的商業利益護航，堅稱校園槍擊案和電玩影響有關、和民間擁槍／槍枝氾濫無關。保守立場既鮮明又錯亂，令人感到匪夷所思。

也因此，有一派論述認為，將電玩與藝術價值相互連結，或許能夠比較有效地對抗污名化的負面影響。再者，針對電玩藝術品質的討論，若能形成一定規模，也得以凝聚電玩愛好者的向心力，發展出更有利於社群的論述、氛圍及整體環境。

作為此類象徵標的，像遊戲大獎（TGA）、金搖桿獎、遊戲開發者選擇獎（GDCA）等等，都在意圖表彰電玩更高價值的脈絡下，逐漸成為具代表性的年度盛事。有些人可能會因為給獎結果不如預期，質疑部分獎項評定的公正性。但作為一種參考標的，以及帶動業界話題的價值來看，這類年度盛事一般而言，仍是利大於弊的。

藝術性 vs.遊戲性

需要留意的是，電子遊戲獎項頒發，很大一部分並不是以藝術價值作為標準，遊戲性——或者說可玩性——是否讓人眼睛為之一亮，才是更普遍的評量準則。

這並不是說遊戲性和藝術性彼此互斥。相反地，我相信至少有兩成的好遊戲，都是能夠兼顧遊戲性和藝術性的。想像一個象限圖，X 軸是遊戲性，Y 軸是藝術性，大致上會呈現如下：

在遊戲好玩之餘，又能兼顧高度的藝術性，雙贏當然值得開發者和玩家共同追求。但一款好玩的遊戲缺乏藝術性，其實也沒什麼關係：至少它做好了自己的本分，為眾多玩家帶來一段愉快的時光。遊戲性和藝術性皆低者，則沒有什麼討論價值。比較有爭議的，是某些可能具備高度藝術性，然而遊戲性低落的作品，玩家可以如何看待它們？

舉例來說，《地獄之刃：賽奴雅的獻祭》經過嚴謹的歷史和醫學考據，將古代凱爾特文化和精神疾病患者的具體感官特徵，表現、揉合的絲絲入扣；但其操作方面的壓抑且單調，普遍而言確實說不上好玩。

更極端的例子，則有班尼特．福迪製作的《QWOP》，以及《和班尼特福迪一起攻克難關》，遊戲性簡直糟糕到令人髮指的地步。但在那些惡趣味的玩法下，有心的玩家也能明顯感受到製作人的弦外之音，的確是有意藉此傳達某些諷諭、反省觀點。這些奇怪的作品與其說是電玩，不如說更像是帶有某種特殊主張的互動式裝置藝術。

部分玩家若是比較激進，可能會認為遊戲性低的電玩根本就不該存在。然而，能有更多實驗性、創作者個人主張特別強烈的作品產生，其實正反映了媒介本身的活力，文化整體已經朝向更高層次做演進，也有機會刺激更多好作品產生。所謂的迭代積累效益，不光只單一一人或一個團隊的事，而是整個社群文化共同受惠。

時裝秀可以展現人類服裝材質和剪裁的可能性；沒有前衛音樂的發展，史蒂文．普萊斯很難無中生有創作出電影《地心引力》的絕妙配樂；假使少了上田文人的《ICO迷霧古城》啟蒙，甚至就不會有後來的宮崎英高和魂系／類魂遊戲。也因此，對於部分藝術化傾向比較高、遊戲性低的作品，玩家其實無須嘲諷、排斥，而是可以更正向的眼光樂見其成，期待更多藝術／實驗性質的刺激，為我們後續帶來更多更好的遊戲體驗。

學海無涯

要探討電玩和藝術的連結，我們還可以透過一些外部資料來源進行了解。以下簡單羅列幾項，提供參考：

．傑西．謝爾《遊戲設計的藝術》：

可以說是現行關於談論遊戲設計最重要的概論專書。2021年也在臺灣出版了繁體中文版（感謝大家文化）。全書三十五章，試圖將關於設計遊戲的所有概念囊括談盡。而雖然遊戲藝術之面向不僅止於圖像畫面，若你對電玩美感呈現的原理和意義特別有興趣，本書第二十三章也以「美學」為專題，絕對值得一讀。

．David Kushner《Masters of Doom》：

以約翰．卡馬克和約翰．羅梅洛為中心，本書詳實紀錄了《毀滅戰士》誕生前後，有關 id Software 的一系列開發秘辛和人情世故。雖然是一部人物／電玩傳記，但其中刻劃的種種專注、偏執、榮耀與掙扎，很貼切地形塑出一般玩家對於電玩藝術創作想像的神話。可惜國內沒有中文版，中國簡中版應該也已絕版。有興趣的讀者可以考慮從蘭登書屋英文版下手。

．《Extra Credits》：

自 2008 年起，Daniel Floyd、James Portno w和 Allison Theus，就開始製作《Extra Credits》一系列短片。我們現在在 YouTube 上，最早可以看到十年前的影片。他們通常會選定一個遊戲設計的相關主題，然後搭配線條簡單的可愛插畫，藉由旁白主講，在 5～10 多分鐘內簡明扼要的介紹一個概念。短片的形式，讓人可以在毫無負擔的前提下隨時觀看。

十餘年來，《Extra Credits》談論過的主題包羅甚廣，有特定主題的概論（例如：「遊戲音樂」、「電子遊戲與糟糕的寫作」、「困難遊戲：挑戰與懲罰」等），有單一遊戲的專題（例如：他們用兩集的篇幅，從「英雄之旅」的角度來分析《風之旅人》），而由於 James Portnow 是業內遊戲設計師，因此也有關於電玩設計的實務分享（例如：「如何開始你的遊戲開發」、「遊戲測試與回饋」等等）。

《Extra Credits》頻道部分內容有中文字幕翻譯，但由於整體數量太多，大部分仍僅有英文及其他語言。若主要想找中文資源，省去篩選的麻煩，可直接以「額外加分」為關鍵字在 YouTube 上搜尋，也有數十部經中國網友翻譯的短片可供觀賞。

順帶一提，可能跟贊助商或成員自身的興趣有關，《Extra Credits》近年更多是在製作歷史相關主題的影片，許多內容同樣也很精彩。

．《Game Maker's Toolkit》：

英國的電子遊戲記者 Mark Brown，從 2014 年開始製作《Game Maker's Toolkit》影片頻道。相較於《Extra Credits》卡通式的插畫呈現，Mark Brown 更偏好以實機遊玩畫面相輔相成，討論遊戲設計的眉角。內容講述上是各有千秋，不過《Game Maker's Toolkit》的形式，顯然更有利於具象說明特定遊戲的個別特色。

例如，他曾藉此直接分析《聖靈之光》中，經典的大洪水關卡是怎麼組成的。又或者，《茶杯頭》裡面種種機車的 Boss，是如何刁鑽到讓玩家摔手把。這些具體設計如果不透過實際遊戲影片展示，恐怕效果就不會那麼好。

由於《Game Maker's Toolkit》影片平均長度較《Extra Credits》更長上許多，因此有時候能夠更深入、完整地分析一個主題。例如他曾用了 20 分鐘，深度探討《黑暗靈魂》的架構特色。尤有甚者，針對《空洞騎士》，Mark Brown 更以將近 40 分鐘做了完整的剖析！

長篇影片內容當然紮實，但要有一個完整時段區間看完也比較辛苦。《Game Maker's Toolkit》和《Extra Credits》不同長度類型的影音資源，正好可以讓電玩愛好者可以自由搭配，依不同偏好找符合自身需求的主題來觀賞。

絮語

拒絕承認電玩也可以為藝術，終究只是一種守舊而故步自封的狹隘觀點。而這也是攝影、漫畫、電影、動畫、搖滾樂等類型所曾經歷過的。

隨著科技快速進步發展至今，挟帶著複合媒材的既有優勢特色，我們已經有很多「直覺上就能判斷是藝術」的電子遊戲：《斑鳩》、《時空幻境》、《地獄邊境》、《黑暗靈魂》、《風之旅人》、《英勇之心：偉大戰爭》、《血源詛咒》、《地域傳說》、《薩爾達傳說：曠野之息》、《奧伯拉丁的回歸》、《死亡擱淺》……，甚至近期蔚為風潮的《艾爾登法環》等等，都在整體或某些特定層面上，顯著具備藝術性的特質。

當電玩的藝術價值普遍受到大眾認可時，電玩界是否能有更好的發展？或許不一定，但至少歧視或異樣眼光應能就此消弭。我依然衷心期待那一天盡快到來。

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