角落漫談／「畫功、畫風、畫工」傻傻分不清楚？想筆戰就別再搞錯啦！

在動漫畫討論中，有時候會有一些用語，因為習慣、誤解或者隨興所致，而產生混用、誤用的情形。「畫功」、「畫風」和「畫工」混淆，就是一組常見的例子。

詞義分析

其實，只要使用者在用詞之前，能先自行推敲、確認詞彙本身的意義，像「畫功」、「畫風」、「畫工」這些詞語，都是單從字面上就能理解、並辨別其中差異的：

．畫功：畫圖的功力。也就是指作畫者在圖像繪製方面的程度高下。或稱「畫技」。
．畫風：圖像的風格。依據教育部國語辭典簡編本記載，為「繪畫所呈現的風格與特色」。
．畫工：畫圖工法的細緻程度。與作畫品質和圖像完成度呈現正相關。

實際用法，在此試造句舉例：

「冨樫義博畫功了得，就算只是草稿也能讓讀者清楚分辨各個角色。許多人喜歡他多變而不失個人特色、遊走於寫實和漫畫之間的畫風；但也有不少讀者對他後期潦草的畫工十分感冒。」

說得細一點，「畫功」的水準來自作畫者本身的天賦和後天修煉，「畫風」是作畫者的偏好和選擇，「畫工」則端賴作畫者個人對於繪圖工作經營上的勤奮程度。畫功和畫工大致上都有客觀標準可以評價優劣，畫風則各擁其主，通常是主觀上喜歡或不喜歡的差別而已。

粗略劃分，三者分別給定評價的量尺大致參見下表：

實例說明一：漫畫

由此觀之，我們或許可以說：「我討厭冨樫那樣草率而不負責任的畫工。」但若要說「我討厭冨樫的畫功」或「冨樫義博的畫功很爛，看他都只端出草稿就知道了」，在表達上就有一些問題。前者可能是將畫功和畫工（甚至畫風）混為一談，後者則在客觀上偏離事實：單論畫技，冨樫在日本漫畫家當中的確不到最頂尖的一群，但出身正規大學美術系統的技術修煉和美學素養，讓他要位列前段班還是綽綽有餘的。

一個簡單判斷的依據，就是《獵人》漫畫某段時間的連載，哪怕端出草稿來交差，普通讀者仍然足以清晰辨認各個登場人物的身分、情緒和動態，並透過其流暢連貫的分鏡，理解故事的進展脈絡——甚至還讀得津津有味！若非技藝達到一定高度，像冨樫這樣搞早就混不下去了。

不管是詞語誤用或單純的給出錯誤評價，都特別容易出現在冨樫義博這樣充滿爭議性色彩的漫畫家身上。而名氣愈大的作者或作品，因為討論量高，也愈是容易陷在這種詞語誤用的討論裡。

諫山創在《進擊的巨人》連載前期兩三年，不時可以看到討論區有「畫風太醜，看不下去」的意見，但到了後期的最近幾年，已經幾乎不再聽到類似的聲音。這不只是精良的動畫版美化、修正觀眾讀者的腦內記憶和視覺印象，更重要的是作者本人畫功的不斷進步，大幅提升了漫畫版的觀賞性。

事實上，創哥有問題的從來都不是臉譜偏寫實的畫風，而是前期拙劣的畫功。雖然在2013年動畫化人氣爆紅、甚至紅出ACG圈外以前，《進擊的巨人》就已經是總銷售量達到千萬冊的熱門漫畫，但那可不是憑藉當時候差強人意的圖畫，驚人的故事情節和戲劇性的分鏡才是賣點。由於角色設計從寫實進路出發，諫山創不能夠讓筆下人物有太多誇張、突出的髮型或配件（想想看《死神》的護廷十三隊，或《鬼滅之刃》的九柱，無一不是爭奇鬥豔），因此早期在作者畫功不佳時，常會看見讀者抱怨「臉盲」、人物辨識困難（最常被混淆的就是萊納跟約翰）。或許因此連帶導致畫風被批評。

但在創哥畫功練起來後，對其畫風的詆損就幾乎消失了。而諫山創的畫風其實並未改變，只是因為畫功的提升，使其在人物區分、神態掌握和構圖經營方面，得以創造出更舒適的閱讀體驗。

實例說明二：動畫

同樣是《進擊的巨人》，其動畫版第一～第三季由WIT STUDIO製作，高水準的作畫品質和普遍優秀的演出效果，廣受觀眾好評。到第四季The Final Season移籍改由MAPPA接手，則免不了被部分好事者前後比較，批評MAPPA表現不如WIT的意見時有所聞：演出張力不足、配樂選擇有失魄力、過度使用3D效果輔助、畫風與前幾季差異太大……等等。

然而從現實而論，在WIT不願繼續處理巨人剩餘的故事篇幅後，MAPPA作為製作水準頂尖的日本動畫公司之一，已經是客觀上不遜於WIT的最佳選擇。少數人的反彈除了雞蛋裡挑骨頭，更多是不習慣所導致，大多數動畫黨還是看得很嗨。演出效果和配樂選擇的落差，可以說是林祐一郎跟荒木哲郎兩位導演風格不同所產生的變化，荒木哲郎明顯是更重戲劇性的（光看他在《死亡筆記本》動畫裡，連夜神月吃洋芋片都要吃得很帥就知道），林祐一郎的作風相較之下就顯得節制一些。以更多3D效果處理複雜的動作場面和巨大物件，則是成本考量的必然取捨，MAPPA的使用也大抵在水準以上了。至於畫風的變化則更有趣：因為MAPPA在第四季的人物風格，或許才是更貼近於諫山創原作漫畫的畫風。

一如前述，由於創哥漫畫創作前期的畫功不佳，WIT在進行動畫改編時，其實做了大幅度的優化，畫風也採取更討喜的調整（眼睛加大、配色彩度提高對比、人物特徵做出更加鮮明區別……）。到漫畫連載中期以降，即便作者畫功趨於穩定，WIT的動畫風格其實也已經定型，故而沒有修改的必要。換成MAPPA製作後，會想藉此機會更向原作畫風靠攏，也算是尊重原作者的表現。而事實上，從WIT到MAPPA的畫風變化，並沒有大到值得一提的程度，估計一般大眾還不一定看得出差異。糾結在這種枝微末節上，其實相當無謂。

這還可以延伸出另一個話題：從漫畫原作到改編動畫，應該要如何選擇作畫風格才是最好的策略？

以直覺判斷，改編當然要依循原作畫風，才稱得上是忠實改編。像押見修造原作漫畫《惡之華》改編動畫後，使用了真人影像轉描的技術，畫風改頭換面，便造成人人見了都說慘的悲劇成果（恐怖連結，不喜勿點）。然而，也有原作畫風簡陋或非主流，在改編處理上值得重點討論的作品，像是ONE的漫畫：《路人超能100》。

由於同樣是ONE原作的《一拳超人》，有過「經由村田雄介主動請纓重新繪製漫畫」的成功經驗，在《路人超能100》預備改編動畫時，便自然產生「是不是應該以更主流的畫風重新處理原作」的意見：畢竟，ONE的畫風是那麼的……魔性？其介於塗鴉和隨筆之間的圖像，反映出ONE畫功微妙的事實（但他有些局部卻又畫得異常細緻？），之所以得到高度評價，則得力於精彩深刻的故事與人性刻劃，以及頂尖水準的分鏡敘事。

最終，動畫版人物設定的龜田祥倫以及立川讓監督，決定基本沿用原作畫風，實在太過正確：ONE的畫風其實並不難看，只是畫工簡陋而已。而這種簡化的圖形風格，正好可以省去日本動畫普遍最麻煩的細節繪製，以增加作畫張數提高流暢度、特殊效果與形變的處理彈性。

就結果而言，《路人超能100》的動畫版，整體影像看下來可說是既舒服又痛快。BONES投注熱情的精良製作，雖然有時候分鏡稍遜原作（沒辦法，ONE的分鏡實在太神。巨人那棚也是類似情形），在動態韻律感則憑著媒介優勢而更勝一籌。《路人超能100》對日本動畫影像語言開創性的意義，已足以載入史冊。

要說近五年來畫面經營最屌、看得最爽的日本電視動畫，筆者認為《路人超能100》是一大熱門候選。只要能夠稍微克服對特異畫風的排斥，就能從中得到熱血感人又發人深省的故事、新鮮活潑的笑料，以及爽到突破天際的超能力戰鬥演出。

其他：演進常態

大多數漫畫家的「畫功」，會隨著經驗累積而逐步增長。偶爾有一些退步的案例，可能是因為作者身體病痛，或從手工繪製轉到電腦繪圖的不熟練。當然，原因不明而放任畫技衰退的作者雖少，也是確實存在，例如以《響～成為小說家的方法～》聞名的柳本光晴，從商業作出道後，對於人體骨架的掌控甚至遠不如他在同人誌時代的作品（主要是《涼宮春日的憂鬱》相關同人作），是一血淋淋的例子。

「畫工」則通常是由繁入簡。一開始圖畫會在求好心切的菜鳥心理下，特別重視細節，但因為畫功還沒有達到熟手的境界，因此效果差強人意。等到畫功提升、連載也上軌道後，迫於連載的時間壓力等因素，作者就會開始省略比較不重要的細部描繪，以提升作畫速度，也讓圖像能夠更容易辨讀。

舉例來說，陳某的中篇《充神榜》和短篇《不是人》，線條和網點使用之厚重繁複，簡直是把漫畫當素描在畫了，讀起來卻也容易視覺疲勞；到《火鳳燎原》簡化了線條和陰影的處理，雖說一部分可能是配合長期連載而做的妥協，對陳某作品的「漫畫感」則有提升，閱讀上的壓迫感不再那麼大，是他得以成功大眾化的轉變之一。

少數漫畫家會朝向畫工益發精細的手法來經營畫面，這多半是基於某些藝術價值的考量。而優秀的作者在刻圖過程中，也會留意適時留白以調配節奏、營造影像張力，例如三浦健太郎的《烙印勇士》，和森薰的《姊嫁物語》。這些大師之作圖像物件繁複，細節豐富，由於精確的構圖和濃淡分明的線條，畫面資訊量雖然可觀，讀起來卻也毫不費力，可說是高度兼容了敘事理解和視覺審美的功能。至於尾田榮一郎《航海王》後期，只一味的想把畫面塞好塞滿，絲毫不考慮閱讀的舒適度和填充資訊必要性的取捨，則是反面教材。

「畫風」作為一名作者的特色展現，雖然在基本的氣質、線條使用的偏好上存在一致性，部分漫畫家之於不同時期的確會有畫風轉變，特別是在創作期間跨度超長的作者身上相當明顯。藤島康介的《幸運女神》，從1988～2014的變化就差異甚大。蛭田達也《功夫旋風兒》以「格鬥大賽－校內賽篇」為分界，前後畫風更是判若兩人。荒木飛呂彥《JoJo的奇妙冒險》系列，也向來以「不同部就採用不同畫風」著稱。要像安達充、高橋留美子、前川剛等長青樹那樣，畫風數十年如一日者，其實還不太容易。

釐清畫功、畫風和畫工的各自差異後，便有助於我們在進行相關討論時，能夠更清楚、正確地表達自己的意思，以避免因為誤解或雞同鴨講，而導致不必要的爭論。